氣勢磅礡的全景 、富戲劇性的中景 、精细入微的特寫 ……一部電影該在什麼時機,什麼樣的因素?來選擇合適的 鏡頭語言 ,呈現給觀眾呢?

如果描述的技巧不當,會讓觀眾的注意力渙散,甚至昏昏欲睡,在你清醒的同時,也是戲院散場之時,而這部片演了些什麼,也說不上來。

在步出電影院之際,常會聽到有些人說「花錢,來看爛片的~」,為了降低這個情節的發生,下面要來和大家聊聊不同的鏡頭距離與主題數量的變化,對電影的故事走向中有何決定性的影響,希望大家看完這個之後,可以在觀影時先洞悉一些先機囉!

 

 

距離產生美,人生與電影亦如是

「距」是用來表達兩物之間相隔的遠近,用電影語言來解釋「距離」二字,大致可以分為三種。單就以物質形式來說明,指的是時間距離與空間距離,時間流逝的早與晚、快與慢、長與短,若單一鏡頭的時間愈長,畫面會愈顯得深沈,時間愈短節奏愈明快;若談空間距離,則是遠與近,天與地,室內室外等,用肉眼與尺規都得以量測的。

若以非物質形式來說,則是心理距離,親密或疏遠,生死離別。人與人之間靠太近會覺受侵犯,但太遠又感到孤單,表達心理的空間看似無形,但卻是攝影創作的靈魂。所以談到電影的攝影距離,通常並不是指單純的「站在原地」用變焦鏡頭在那Zoom in或Zoom Out感覺拍的美美就大功告成了。往往還要思考,如何掌握有形與無形的距離分寸,傳達給觀眾畫面中所蘊含的情感。

攝影機與被攝體的距離不同,造就主體在螢幕畫面中所呈現出的範圍大小區別,一般可分為五種,由遠至近分別為遠景、全景、中景、近景及特寫。若有心觀察早期的電影,會發現攝影機距離變化並不多,在1918年前甚至還沒有「特寫鏡頭」的出現。

▲大衛·格里菲斯(D.W Griffith)的作品。第一位在電影上使用特寫鏡頭的導演,大膽的鏡頭開創手法也被譽為美國電影之父,著名作品有《一個國家的誕生》。

 

 

初期的電影攝影,不少只是圍繞在攝影機身邊活動或跳舞,沒有風格沒有主題,看到什麼,就拍什麼,單純覺得活動的影像很新奇。進入有聲電影初期,為了能清楚的收音,攝影機也固定著無法像現今隨意移動,能夠自由自在的拉遠拉近拍攝,這中間真不知花費多少人的心酸血淚,才造就現今歷史性改革,也灌溉出豐富多變的電影語言,或許你也將成為下一位傳奇的推手。

 

橫看成嶺側成峰, 遠近高低各不同

下面僅已概括性內容介紹,電影最常用的幾種人物鏡頭讓大家做認識,以近幾年的國片來做解說,是致敬也是提醒,這些都是長久以來最熟悉親密卻也是最陌生,屬於我們土地上的故事。

單人鏡頭

 顧名思義整個畫面中只有單一人物的鏡頭,這種電影鏡頭可說是主要角色的特權之一。愈多單人鏡頭,愈可以感受到重點描述對象,此鏡頭的優點是注意力較不易分散,能讓觀眾馬上清楚誰是焦點,但使用太多很容易枯燥乏味,過於單調,相信很少有人會願意整場戲看了二三小時,卻只有一個人物在那兒晃動吧!

現今的電影幾乎會和其它不同類型的鏡頭做組合變換,有時大牌演員互演對手戲檔期無法配合時,會有當天A可以前來,B卻不克前往拍攝現場的時侯,拍攝方式其實也是單人鏡頭的運用,有些明明看似二人在對話,但卻用單人近景或特寫的畫面來呈現,這其實是分開拍攝在後製剪接完成的。

▲其實只有單一人物的鏡頭,反而得更花巧思在構圖,以免佈局顯得過得簡單,取自電影《聽說》。

 

單人全景鏡頭

全景是最接近平常肉眼所觀看出去的景色,在電影中用來表現場景的全貌或人物的全身動作,雖然人物從頭到腳幾乎都包含在畫面內,但絕不是要角色呆呆傻傻的站在那讓人拍,這種全景真正的特色與魅力,其實建立在人物與週遭的空間。

全景會讓觀眾意識到畫面中四季的變幻,是早晨或黃昏,在室內或室外?舉例來說《孤舟蓑笠翁,獨釣寒江雪》,一個披著蓑衣、戴著笠帽的老漁翁,駕著小船,獨自在白雪紛飛的寒江上垂釣。若拍攝畫面用特寫,我們可能只能看到個老漁翁或某個景色的局部畫面,但把鏡頭拉遠點,多帶點環境和整體動作,就看到一個漁翁獨自在皚皚白雪中垂釣,既寫意又杼情。

▲使用全景鏡頭,背景會占據較多的畫面以外,和觀眾的視覺與心理距離也較遙遠,會顯得人物充滿單獨渺小與寂寞感,取自電影《海角七號》。

 

另外一些特技動作的驚險場面,也愛用全景鏡頭,除了用來表現環境的險惡以外,使用替身也較難被識破,因為拍攝距離愈遠,依稀可以看到肢體動作,但太遠的話,臉孔已經較難辨識了。

人眼焦距固定120度,集中注意力時約為五分之一,即24度,所以我們雖然看的範圍很廣,但卻不見得都「看」進去了,因此全景鏡畫面包含很多細節時,你會發現電影鏡頭的移動速度會很緩慢,例如一些富麗堂皇或壯觀的景色,鏡頭就慢慢的推移,是為了讓觀眾能看的更清楚。

▲這個全景鏡頭強調在於全身的肢體動作展現,但因演員做出常人無法做出的柔軟度,所以明明是全身鏡頭,郤能拍攝成像近景鏡頭一樣貼近,取自電影《翻滾吧!阿信》。

▲這個並非單人全景鏡頭,特別提出來是因為一樣的體操動作,但巧妙運用在不同的時空背景,在劇中就變得荒謬和搞笑,像是穿著西裝在田裡種菜一樣,不同的背景和服裝的組合設計,其實在視覺和認知上是充滿衝突性的,取自電影《翻滾吧!阿信》。

單人中景鏡頭

取景範圍指的是腰部或膝蓋上方的鏡頭,但注意拍攝不要正好卡在膝蓋,攝影相當忌裁切在關節處,因為整個影像在收邊處會有被切斷的感覺。若全景適合表現場景,中景則適合表現在事件,因為和全景相比,在視覺上又靠近人物主體,觀眾能更看清楚人物的肢體動作,可清楚明白角色所正在做的事情。

從演員在劇中的穿著與肢體動作,觀眾可以感受到此角色的性格、氣質……等。例如,衣著華麗者自我顯示慾強。其實在一部戲中同個角色隨著戲劇內容的改變時,甚至會有衣著上的變化,穿衣風格的更改,也代表了心態上的轉換。

可以認真觀察自己或他人的照片,不同年紀和時期會酷愛某種穿搭,例如電影《翻滾吧!阿信》主角從一開始身著體操服的運動選手到變成街頭混混的打扮,有時電影不用任何言語,甚至不用浮誇的表情演出,從服裝就開始透露一切了。

▲頭上戴著蛙鏡手上拿著蛙鞋,觀眾可以感受到小朋友在幻想的空間裡游泳,取自電影《囧男孩》。

▲畫面中只有一個小女孩,但若仔細觀察,竹竿掛的衣服和花色可推斷是位老阿嬤所有,背景是早期的建築,觀眾可以隱約感覺到也許這想講述的是祖孫在鄉下間的故事,取自《生命無限公司》。

 

 

單人近景鏡頭

取景範圍從胸口或腹部以上拍攝的鏡頭,觀眾可以開始看得相當清楚,演員臉上任何表情,眼神的流轉,此種鏡頭也主要用在人物的表情反應,另外這種畫面的距離,是我們和朋友與熟人對話的距離,所以會在心理形成某種親切感,甚至感同身受。

認真研究東西方不同國家的電影,可以感受到亞洲電影在表情上的反應是較為保守內斂的,喜怒不易形於色,所以莫怪西方電影都把東方人塑造出一堆面無表情的角色,因為在他們眼中,那簡直是神祕到高深莫測(絕對不是因為眼睛比較小)。

不過,沒表情不等於沒感情,有時這甚至是更細膩的表現,例如,憤怒悲哀或憎恨至極點時也會微笑,是皮笑肉不笑,女生不能太露骨地表現自己的好意,所以明明很在意,卻還要假裝冷漠,或明明氣到極點卻要裝出無表情,眼神透露出一股殺意……由此可知,察言觀色是很有學問的技巧。

題外話,雖然面無表情,但很妙的一點是亞洲人在拍照時的手勢特別豐富,國外甚至有網站整理了(Asian Poses)意指亞洲人在拍照時常做的動作,也請一些外國人士來挑戰擺這些POSE拍攝。

▲在迎接最悲傷的死亡時,他們嘴角郤都帶著一抹微笑,這代表是解脫還是滿足,留給觀眾一種無限的想像空間,取自電影《艋舺》。

 

單人特寫鏡頭

拍攝範圍在人體肩膀以上,臉部的表情,某動作的細節或是重要的物體,功用是讓觀眾能快速發現某個細節。和全景鏡頭比較起來,特寫畫面的時間其實很短,電影利用這些局部畫面,來暗示情感反應,也許是一滴滑落的眼淚,或是慌張的咬指甲。

因此特寫畫面並不侷限在臉部表情上,從肢體動作中往往洩露出的訊息,比表情反應還來得真實,常用在劇情中的關鍵時刻。特寫不能過度濫用,有的特寫畫面根本是肉眼不可能達到的,如果有興趣你把拳頭或一些東西拿到眼前不到3到4公分的距離,會發現太近出現視差,眼睛根本無法聚焦,不管你有沒有近視看起來都是糢糊的。正確來說特寫畫面接近人眼從放大鏡看出去的效果,所以又被稱為「細節鏡頭」。

▲這特寫片段我們看不到主角的臉,但可以從流血的手,感受到他傷的很重,除了強調重點以外,特寫也讓觀眾想像畫面以外的空間,取自電影《詭絲》。

 

心不在焉,視而不見,聽而不聞,食而不知其味

相信每個人在重覆觀賞同一部喜愛的電影時,都會注意到很多之前沒留意的部份,只是幾個鏡頭距離的變化就可以談怎麼多,並不是要教大家成為像福爾摩斯或名偵探柯南那樣的人物,而是攝影本身是一門「看」的藝術。

你能拍出什麼,取決於你看到了什麼?你能拍出多少深度,就取決於你能看到多少深度?你看了,但你其實不見得都看到。魔鬼就藏在細節裡(Devil in the Details),善於洞察細節,你就會發現突破盲點了。

 

原出處:DIGI PHOTO 用電影鏡頭語言學攝影,「魔鬼」就藏在細節裡

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